Dos Hermanos

Retomo este espacio de escritura con la esperanza de poder seguirlo de a poco llenando. Creo finalmente que no sólo es un espacio para compartir el  pensamiento y las actividades que  voy realizando sino también un  modo de documentar. Visito mi blog abandonado por 4 años y descubro una buena bitácora de viaje. Este es el sentido.
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En Marzo estrenamos en Córdoba y luego en Buenos Aires "Dos Hermanos" Un Biodrama del futuro con Dennis Smith y Virgina  Smith. Una Co-Producción de Ibersecena en Octubre haremos funciones en México.

Los hermanos Smith  con una imagen de El Mago de Oz, detrás. Over the rainbow se transformó en un leimotiv, en el sentido literal del término. No guiaba, y extrañamente también guía a Dorothy... La recurrencia es una operación  que vuelve simbólico un simple acto. 

Estreno "El Trastorno de los Pulpos"

 El Trastorno De Los Pulpos

Dirección: Cipriano J. Argüello Pitt

Sala : DocumentA/Escénicas, Lima 364 Ctro. Córdoba. Tel. 4290280

Días y Hora: 7,8,14,15,21,22,28,29 de marzo a las 22hs.

Únicas Funciones

Precio de la entrada: $20 general, $15 estudiantes con libreta

Documentaescenicas@gmail.com www.Documentaescenicas.blogspot.com

 

El trastorno de los pulpos es la tercera parte de una trilogía en la que Cipriano Argüello Pitt  aborda la temática “el encierro”. Un encierro no solo físico sino también psicológico. “Podemos estar encerrados en nuestra propia casa, o en nuestra propia moral”, afirma el director que comenzó la trilogía con  Acá adentro del 2006/2007, prosiguió con Salsipuedes en el año 2008 y el siete de marzo estrenará la última parte titulada El trastorno de los pulpos.  Esta obra, al igual que las dos anteriores  dialoga con textos clásicos componiendo un palimpsesto que deja ver por debajo del teatro contemporáneo la tinta utilizada por los clásicos.  En El trastorno de los pulpos se re-toma el melodrama a través de personajes cuyas conductas están fuertemente regidos por la moral.

En esta obra nos encontramos con una familia, una casa y el orden de la casa. La familia como la primera instancia de vida en comunidad y de conflicto por los roles, las reglas y la convivencia.  El mundo exterior puede ser una promesa de felicidad o una amenaza, pero sin lugar a dudas un territorio extraño que imprime tensión y deseos.

En Córdoba, algunas  familias tradicionales del Cerro de las Rosas llaman a los habitantes de barrio jardín “Los pulpos de barrio jardín”, justamente por considerar que su fortuna parte del oportunismo y de su capacidad de adaptación y de captación de recursos. En El trastorno de los pulpos, el dinero se presenta como medio de inclusión-exclusión y los afectos se negocian como mercancías. El trastorno de los pulpos marca este territorio difuso donde la moral cae aplastando cualquier posibilidad de encuentro. 

Actúan: Mauro Alegret, Estefanía Moyano, Silvia Cavangh, Jorge Pacheco, Gustavo Kreiman, Pablo Huespe, Jimena Mercól, Cecilia Lanfri.

Música: Pablo Cécere.

Ambientación: Melina Passadore y Jimena Mercól.

 Iluminación: Emilio Diaz Abregú.

Operación Técnica: Hugo

Dramaturgia de escena sobre texto de los actores: Cipriano Argüello Pitt.

Dirección: Cipriano Argüello Pitt.

Proximamente "El Tratorno de los Pulpos"

Nos tomamos un tiempo de vacaciones para pensar y madurar el trabajo. La estructura dramática ya está construida. Otra dramaturgia de escena. Otro trabajo colectivo. Falta ajustar detalles en la actuación y algunos datos de la dramaturgia. Tengo la sensación de que hemos hecho un teatro "viejo", esto me enorgullece. Un dialogo con la propia tradición de crear personajes y contar historias. Una cantidad de intertextos con los clásicos que se encuentran ocultos y velados, pero por momentos son evidentes. Una necesidad de mirar en la tradición (occidental). Un proceso de taller implica también un proceso pedagógico y desde allí se hace necesaria la reflexión desde donde se construye la teatralidad. El trastorno de los pulpos cierra la trilogía del encierro. Estrenamos en el mes de marzo y haremos solo ocho funciones ya que uno de los actores emprende un viaje.

Reponemos Salsipuedes

Reponemos Salsipuedes.

Única función en el marco de la Fiesta Provincial del Teatro que organiza el I.N.T.

La novedad es que hemos reemplazado a Cecilia porque está de viaje. La reemplazante es Melina Passadore con quien he trabajdo en muchos proyectos. Melina reemplaza a Cecilia. Es muy interesante lo que sucede con los reemplazos ya que el que viene toma el trabajo que el primer actor creó y lo adapta a su modo. Cuando se trabaja con el material que los actores proponen, como es el caso, lo que sucede es entonces, otra dramaturgia. La dramaturgia de actor no solo es una metodología de composición sino que es un principio. Cada cuerpo, cada subjetividad tiene su impronta, cada resolución su sello. Veremos que resulta. Por ahora es interesante el proceso.

Jueves 14 a las 22horas en DocumentA.Lima 364, Cba

El trastorno de los pulpos

Estamos trabajando en la última parte de la trilogía sobre el encierro, que se llamará seguramente “El trastorno de los Pulpos”, el nombre viene al enterarme por parte de una integrante del equipo que se le llama “pulpos” a los nuevos ricos que acceden y que adoptan las costumbres y vinculos de las clases social dominantes pero que originariamente no pertenecen a ellas. La construcción del poder y de sus vinculos sociales a partir de lo económico. Como sí se accediera a un status que no es propio sino a partir del dinero, es media loca la teoría ya que se supone que hay un status antes del dinero, como una manera de pertenecer a las clases dominantes que parece, al día de hoy, como hereditario. De esta idea surge el tema de la hipocresía como manera de sostener lo insostenible. En este mundo los jóvenes que aceptan el mandatoson incluidos, o excluidos brutalmente a aquellos que se revelan.Me interesaba trabajar la perspectiva de los “no marginados” Como un mundo dramático donde las relaciones interpersonales se encuentran totalmente viciadas y donde la ambición no permite seguir el propio deseo. La metáfora de los pulpos me parece intensa, ya que hay algo del mito, sobre la violencia que ejercen y de la naturaleza asfixiante que generan sus tentáculos. Hay algo del mito, de los monstruos marinos, de las luchas de los navegantes contra estos animales, de la ferocidad de sus ataques. Unas de mis primeras lecturas en la infancia fue 20.000 leguas de viaje submarino y si no recuerdo mal, el capitán Nemo al mando del Nautilus va en busca de un extraño cetáceo y en un capitulo hay una lucha con un pulpo gigante (creo). Algo del viaje iniciático y de sus peligros.

Como en las dos partes anteriores “Salsipudes” y “Acá adentro” hay como base algunos textos chejovianos pero al mismos tiempo re-escribiéndolos de tal manera que Chéjov y su poética desaparezcan. En la base están Tío Vania y La gaviota, por supuesto , y los que me conocen lo sabrán sólo quedan guiños muy vagos, uno de los personajes se llama Ivan y en algún momento uno de los personajes quiere ser dramaturgo y lo que escribe es esa escena memorable de La gaviota donde Chejov debate entre el teatro nuevo y el viejo teatro , un guiño y homenaje. Un elenco inmenso para mí, ocho actores, con el objetivo de estrenar a finales de febrero o comienzos de marzo.

Ultima de Agatha

Ultima Función de Agatha, para mí una obra en la cual se develan varios mecanismos de construcción que van desde la palabra a la acción y a su falta. Un trabajo amoroso de Melina Passadore y Rafaél Rodriguez, que siempre anduvo busacndo el limite de lo certero, de lo justo. Aveces como todo proceso se nos volvía esquivo, otras se hacia presente aquella densidad que creiamos construir provocando el sentido cuando se encuentra entramado entre sí. Ese "espesor" del que hablaba Barthes, o ese "grano en la voz". La sensación de fragil, de huidizo, nos transformo en cazadores de lo inombrable. Aveces teniamos la sensción de que "podíamos". Ultima función...

Domingo 21 de septiembre 2008.

Sobre Agatha en función

La impresión y el detalle. El punto de encaje entre lo mínimo y su parte. Que es lo que seleccionamos al ver. Que decidimos suprimir? En pos de que? Si el inconsciente se revela en el lenguaje, que es lo que exponemos de él. De nuestros deseo y de nuestros temores. Siempre la producción va por delante de la interpretación. Parar la cabeza confiar en la incorporación de la teoría permitir-se el riesgo de la experimentación y por ende el fracaso. Sería parte del manifiesto no dicho, no publicado. Si la corporalidad es ese cuerpo que se resiste a la publicación el discurso es ese cuerpo desbordado o que desborda a la interpretación. A veces pienso que sería mejor callar y escuchar un instante.

Agatha en función

Pensaba que cuando uno se enfrenta a una obra como a un paisaje es difícil comprender su totalidad, su sistema. Que tal como diría Deleuze el territorio no se corresponde al mapa. Que la distancia imposible de la descripción y de la intervención sobre lo que se ve es quizás el problema de la representación y de la cosa. Habitualmente este parece ser el problema frente al teatro y a lo que hago como realizador. Agatha es una tesis sobre esto.

Aquí no hay azar decía pollock mientras arrojaba un tarro de pintura sobre un lienzo.

Se estrena Agatha de Marguerite Duras. La obra cuenta con la escenografía d Gerardo Repeto, Ana Gilardi, música de José Halac; la traducción es de Gastón Sironi, las actuaciones de Melina Passadore y Rafael Rodríguez, bajo mi dirección y con la producción de DocumentA.
Bella obra, bello proceso, si bien la palabra belleza para los que nos dedicamos al arte contemporáneo está cargada de cierta negatividad, dada que las posturas teóricas y nos hacen pensar que el sistema de belleza funciona con relación a una idea de estética y de ARTE, que en general prescribe un modo y proscribe otro; quizás sea un momento de volver sobre ciertos lineamientos y repensar el término: volverlo contemporáneo. Así como el arte se pregunta por sus procedimientos y sobre su materialidad, quizás también sea interesante volver sobre los conceptos de conmoción, de emoción y composición. Agatha me ha inducido lentamente en una situación de ensueño, de placer, de dejarse llevar. Las respuestas han sido del tipo de la intuición más que teóricas, o planes previos. Estamos entregados al suceso, a lo que pase. Y es allí donde la emoción aparecen sin querer sin proposición previa, casi como un accidente.
La historia de amor de Agatha quizás sea esto. Hemos realizado una obra sobre el amor , “un fragmento del discurso amoroso”.

Funciones Sábados de abril a las 22hs. Lima 364.Cba. Tel- 4290280.

Salsipuedes es el producto de un proceso largo de ensayos donde el procedimiento de escritura y re-escritura escénica ha sido central en los lineamientos de este trabajo. La primera consigna fue entender al actor como constructor de sentido, y como dramaturgo de su texto.
Se trabajaron diversos cruces textuales de los cuáles solo quedaron retazos de textos sueltos que dialogan entre sí. La idea de palimpsesto y de superposición ha sido central en la generación de una dramaturgia de escena y en los principios de actuación.
Unas de las particularidades es que el texto no está fijado en el papel. La idea de constante creación origina un cierto vértigo y los obliga a hacer presente aquello que se dice, sin embargo no hay improvisación. El drama, los núcleos de conflictos, están fijos. El registro actoral, que es muy delicado ya que la obra permanentemente les hace variar de registro, obliga a los actores a realizar un trabajo que los compromete con aquello que dicen. Un punto crucial fue trabajar con la emoción, así como en Acá Adentro nos interesaba la falta de distinción entre lo real y la representación, aquí se traslada el mismo problema a la emoción, famosa pregunta ¿cuando un actor llora, quien llora? Al mismo tiempo la dramaturgia transita momentos desopilantes por lo cuál la tentación de la parodia es permanente.
La aparición de lo “real” ha sido interesante en el trabajo de la puesta en escena, la delimitación del espacio, el trabajo con objetos, cercar y acercar el espectador a la acción, fue re-concentrarse en la vieja premisa de que “la acción es la que narra la historia y que la emoción deviene de ella”, ha sido un trabajo el que nos ha preocupado limpiar lo superfluo, evitar la tentación de “interpretar”, subrayar, de comentar.

Nota en "La mañana de córdoba"

Crítica de Beatríz Molinari en La Voz del Interior

Hoy se realiza un ensayo a público de Salsipuedes, un trabajo lento, de proceso largo debido sobre todo a las condiciones de producción. Un amigo decía que lo primero que había que preguntarles a los actores era si trabajaban en otra cosa, de que vivían y en caso de que contestaran que eran independientes y que se mantenían por su propio trabajo descartarlos inmediatamente. Bueno esto no sucedió. El elenco de Salsipuedes, son todos docentes de teatro, laburan. Un problema para acordar ensayos, el proceso fue complejo y estamos a un mes de estrenar, y hoy hacemos una prueba con amigos. Creo que la dramaturgia se ha vuelto compleja y que esto es interesante, el trabajo conjunto con los textos y la creación de una dramaturgia de escena hace que tenga una espesura (diría Barthes), interesante. El punto complicado del trabajo está dado en el registro actoral, que es muy delicado ya que la obra permanentemente les hace variar de registro. Un punto crucial fue trabajar con la emoción, así como en Acá Adentro me interesaba la falta de distinción entre lo real y la representación, aquí se traslada el mismo problema a la emoción, famosa pregunta ¿cuando un actor llora, quien llora? Al mismo tiempo la dramaturgia transita momentos desopilantes por lo cuál la tentación de la parodia es permanente. Pero este margen es el que juegan, el desafío es como mantenerse comprometidos con lo que dicen. En esta última instancia me empiezan a preocupar los detalles, problema del puestita. Ahora me frustra esa constante del teatro de falta de recursos, sobre todo la imposibilidad de aumentar el equipo para resolver situaciones que otros manejan y que uno solo toca de oído. Trabajar sin presupuesto se me ha hecho una costumbre y no es que quiera para tener mejor decorado o mejores equipos etc., sino para que lo que trabajan en estos proyectos puedan recibir algo de dinero. Hablaba de lo largo del proceso por las dificultades de producción…

procesos II

Hace casi dos meses que no publicaba una nueva entrada. En principio estaba en una etapa en la cuál no podia hacer ni decir nada. Además ha sido una etapa llena de interrupciones. Si embrago hay algo del tiempo de los procesos que hace que el sentido se instale en los cuerpos. Luego de haber trabajado fuertemente el sentido (o de los sentidos) y de comprenderlo/s, comienza el momento de puesta en escena, la tarea de marcar, de repetir. Todavía no estaba tan preocupado por una grafía específica, sino por la comprensión de lo que haciamos, sí bien también creo que la construccion de "partitura" es una manera de entrar y de configurar sentidos.

Ahora es el mometo de definir, de comprobar si esas hipotesis y esas estrategias que pensamos funcionan.

Dos trabajos muy distintos Agatha y Salsipuedes, pero en ambos corroboro, esa necesiadad de "entrar". Solo pretendo que sean trabajos honestos y allí requiere que trabajemos cojuntamente con todo el equipo que comienzan a integrarse. Comienzan a vislumbrarse.

Amor

El estreno de Amor, un manifiesto equívoco, una experiencia entre la pérformance, el biodrama y la ficción teatral, en la que nos vimos inmiscuidos casi sin darnos cuenta.

Cada domingo nuevos manifiestos en DocumentA/Escénicas

"fragmentos del discurso amoroso" curados por Renata Gatica.

No Mover / Pas Bouger

únicas cuatro funciones: Sábado 18 y 25 + Domingo 19 y 26 de agosto a las 21:30. En DocumentA/Escénicas, Lima 364.

Autor: Emmanuel Darley (2001)
Dirección: Cipriano Argüello Pitt
Actores: Rafael Rodríguez y Hernán Sevilla
Diseño escenográfico: Lucas Di Pascuale
Música: Pablo Cecere
Traducción: Gastón Sironi
Asesoramiento dramatúrgico: Jaime Arrambide

No Mover (Pas bouger) es una pieza teatral donde dos personajes se enfrentan a la rigidez de su mandato. Uno destinado a moverse infinitamente y otro fijado a la inmovilidad. Ambos esperan el signo para que algo cambie, sin saber a ciencia cierta si esto es posible o que tipo de modificaciones en sus destinos acontecerán a partir de esta llegada. La idea de circularidad, de destino fijado, se instala y se conjuga con el lenguaje sintético , minimalista que elige Emmanuel Darley para desarrollar esta obra que pone el acento en la intensidad de lo mínimo. Este espectáculo forma parte del proyecto Tintas Frescas de la Asociación Francesa de Asuntos Artísticos y financiado por la Embajada de Francia en Argentina. Se estreno en el “Festival Internacional Tintas Frescas” Buenos Aires, en Noviembre de 2004. Contó con el auspicio de la Alianza Francesa Córdoba y apoyo del Instituto Nacional del Teatro.

Proceso de traducción

En plena tarea: Gastón, Rafa, Meli y yo.

Este es un momento para mi impresionante. El sentido se revela en el cotejo con otras traducciones y con el original, con la lectura y con la relectura. Dar con la palabra justa, aclarar el concepto, verificar las posibles lecturas, establecer dialogo con la cultura de origen, establecer las cercanías y las distancias. Las traiciones, las licencias pero también entrar en el mundo y en el pensamiento del otro. Las traducciones han sido de Gastón Sironi pero siempre hemos procurado una instancia colectiva, y esto ayuda a entender como es el proceso. La lectura de los actores, el concepto de la puesta y mirada del traductor hace que el trabajo se enriquezca.

proceso

Melina Passadore en ensayo de "Agatha" de Marguerite Duras

El problema en muchos textos contemporáneos es trascender la anécdota. Sin embargo muchas veces parece ser que quedarse en materialidad de la palabra (máxima contemporánea de análisis) es también quedarse en la superficie. Un texto dice lo que dice, no hay oculto. Pero en la falta de oculto aparece también esta paradoja. Entonces ¿como suplir el sub-texto?, no hay subterráneo, pero ¿puede sostenerse un trabajo en la pura materialidad? Posiblemente necesitemos actores muy hábiles en el decir.

Seminario de Dirección Teatral

Primer boceto para Belleza en partes, de Consuelo Fernández, 2003

Docente: Mgter. Cipriano J. Argüello Pitt
Duración: 3 meses
Días: jueves 17:00 a 19:00 hs
Comienza: 9 de agosto
Becas disponibles. Presentación de currículums hasta el 1 de agosto.

Destinado a personas interesadas en la dirección teatral. Es conveniente poseer algún tipo de experiencia en teatro desde cualquier disciplina, esto no es excluyente.La dirección es un aspecto del teatro que merece ser reflexionada como disciplina, y desde esta perspectiva abordar los fundamentos ideológicos y técnicos desde una mirada teatrológica en sintonía con los sucesivos desplazamientos históricos que han sucedido con la figura del director. Pretendemos analizar las implicancia de las diferentes concepciones de dirección en las búsquedas estéticas e ideológicas de la creación teatral, como así también re-pensar el lugar específico del director en el teatro.Nos proponemos por lo tanto afrontar una perspectiva teórica, a partir del análisis del trabajo de directores emblemáticos de la historia teatral y la revisión de conceptos técnicos que funcionen como herramientas a la hora de encarar un proyecto teatral desde la perspectiva del director.El seminario se piensa en dos módulos, el primero de estudio y análisis de teoría y técnica de la dirección y el segundo de análisis y abordaje de proyectos personales de dirección.El seminario pretende convertirse en un espacio de estudio y discusión en torno a la problemática de la dirección.Nota: se trabaja con material audiovisual.Contenidos· ¿Una Morfología de la dirección?· El rol de director.· Herramientas para el análisis de la semiótica a la fenoménico· Trabajar con actores.· Del texto a la escena: elementos de análisis del texto dramático.· Del proyecto al estreno, cronogramas de producción.· Análisis de problemas puntuales de proyectos personales de dirección

ensayos

Marguerite Duras y Hermano.

Dos proyectos al mismo tiempo, disimiles, pero siempre el mismo problema " construir teatralidad". Estoy ensayando Agatha de Marguerite Duras, trabajo desde la palabra, un texto previo dos actores que conozco y que quiero, Rafaél Rodriguez y Melina Passadore, compañeros de "La Gorda" . Hay mas que un código común una historia común, ¿nos entendemos?... no lo se, pero sé que no es nuevo trabajar con ellos.

La obra una musicalidad, que permite entrar lentamente en el drama. Duras ha sido una lectura de mis 20 años, he leído todo de lo que esta autora llegaba a mis manos. En 1992 comencé a hacer una adaptación del “Mal de la muerte” iba a ser mi primer trabajo de dirección, eso quedo en un cuaderno y un ensayo. Pero la música de Duras me sigue, siempre vuelve. Pensé que este era el momento. Todo se va dando, de a poco. Duras “vuelve siempre como un milagro”.

El problema sigue siendo como entrar en el cuerpo, como el texto se encarna. Entonces, es romper con la melancolía de la música que imprime la textualidad de Duras. En el último ensayo encontramos algo: la violencia del decir, el lastimar con la palabra se traduce invariantemente a un estado del cuerpo, a una oposición entre los personajes que permite que estalle el conflicto en los dos primeros minutos de la obra. Cuando el público entra el drama ya está instalado.
El otro proyecto una dramaturgia de escena, con actores con los cuales trabajo por primera vez, un proceso similar al de Acá Adentro, actores que trabajaron conmigo en un taller y que surgió la posibilidad de montar algo. Cecilia Priotto, María Ines Niño, Julián Serra Blanco y Alicia Vissani y la asistencia de Mauro Alegret, mucha interxtualidad, comenzamos con Fedra y de lo único que queda de esta obra es el nombre de Hipólito y la ausencia del padre y algo más la noción de amor prohibido, mas bien de “tabú”, esto es algo que cruza toda la dramaturgia que estamos construyendo. La otra obra citada es un infaltable para mí, mi autor preferido Chejov, “Las tres hermanas”. Me impresiona esa imposibilidad de acción, ese devenir de lo pequeño que ata. De allí también se instala el drama campo ciudad, y el aburrimiento como tema.
Procesos disímiles en pos de la misma búsqueda, la construcción de la teatralidad, que desde mi perspectiva es una manera de extrañar la mirada , o mas bien ampliar y concentrar ciertos fenómenos.

Clases

"Baal" de B. Brecht. (1918)

Interferir, intervenir, opinar, reunir, dialogar, acotar, comentar, cruzar, detener/se, suspender, anotar, inmiscuirse, apreciar, acordar, asociar, inscribir, extender, transponer, re-ubicar, sugerir, referir, interponer, explicar, revelar, pactar, amplificar, concentrar…

Creo que las clases permiten una serie de operaciones que luego son corroboradas en la construcción de la teatralidad, es para mi un espacio de investigación que me (nos) permite, pensar y repensar la práctica teatral.

En este momento estoy trabajando en tres clases distintas, pienso que si bien son diferentes una de la otra se pueden “interferir” mutuamente. Por eso a veces los comentarios no solo harán referencia a una clase en particular sino al pensamiento que se sucede de las clases. Una suerte de devenir que permita conectar pensamientos y trascender los meros actos aislados.

(Aca Adentro)

Direción: Cipriano Argüello Pitt
Asistencia de dirección: Melina Passadore
Actores: Rafael Rodríguez, Martín Suárez, Carolina Cismondi, Agustina Angelino, Paola Valverde, Laura Ferreyra
Diseño de iluminación: Rodrigo Fierro
Música original: Pablo Cécere
Grabación y mezcla: José Halac

Obra realizada en el año 2006, con un grupo que surgió a partir de un taller de experimentación. El proceso de trabajo fue de aproximadamente un año y nos concentramos sobre la problemática de la representación de lo real. ¿Es posible representar lo real? ¿Es esta paradoja la que define al arte?

A veces los grupos funcionan de manera excluyente, es decir en vez de generar identidad que incluya, que sería la manera democrática e interesante de lo grupal, funcionan con una fuerte base demagógica que hace que los que no pertenecen al mismo queden disminuidos frente al grupo. Quienes los integran, entonces, son una suerte de rehenes de ideas pocos claras y difusas, que obligan a aceptar las reglas, a callar, por que siempre parece que es mejor pertenecer. La idea de familia perfecta, de concordancia ideológica y afectiva donde se desactiva el conflicto es sin lugar a dudas un imposible.

No Mover / Pas Bouger

únicas cuatro funciones: Sábado 18 y 25 + Domingo 19 y 26 de agosto a las 21:30. En DocumentA/Escénicas, Lima 364.

Autor: Emmanuel Darley (2001)

Dirección: Cipriano Argüello Pitt
Actores: Rafael Rodríguez y Hernán Sevilla
Diseño escenográfico: Lucas Di Pascuale
Música: Pablo Cecere
Traducción: Gastón Sironi
Asesoramiento dramatúrgico: Jaime Arrambide

No Mover (Pas bouger) es una pieza teatral donde dos personajes se enfrentan a la rigidez de su mandato. Uno destinado a moverse infinitamente y otro fijado a la inmovilidad. Ambos esperan el signo para que algo cambie, sin saber a ciencia cierta si esto es posible o que tipo de modificaciones en sus destinos acontecerán a partir de esta llegada. La idea de circularidad, de destino fijado, se instala y se conjuga con el lenguaje sintético , minimalista que elige Emmanuel Darley para desarrollar esta obra que pone el acento en la intensidad de lo mínimo.

Este espectáculo forma parte del proyecto Tintas Frescas de la Asociación Francesa de Asuntos Artísticos y financiado por la Embajada de Francia en Argentina. Se estreno en el “Festival Internacional Tintas Frescas” Buenos Aires, en Noviembre de 2004.
Contó con el auspicio de la Alianza Francesa Córdoba y apoyo del Instituto Nacional del Teatro.

Belleza (en partes) - 2003

Dramaturgia de Rafael Rodríguez y Cipriano Argüello Pitt.

Actores: Rafael Rodríguez, Soledad Oviedo, Julia Perette y Jorge Monteagudo.

La consigna inicial fue trabajar sobre la idea de que “la belleza es el terror domesticado”. Frase hiper citada que nos sugería que detrás del aparente orden está la amenaza del caos, o de la desvatación, pero teníamos la certeza de que esto no sucede por fuera de las cosas sino que se encuentran en la misma relación de los personajes. Forma parte de una trilogía: Tantalegría como la contra cara de la alegría, Belleza en partes como lo imposible de un orden, y Acá Adentro, como lo absurdo de la razón. Son obras que se adentran dentro de la concepción de que la actuación es equivalente al proceso de escritura dramática y que nos permite pensar que actuar es pensamiento en acto.

Tantalegría (2002)

Un Espectáculo del Grupo La Gorda

Actores: Melina Passadore, Gabriel Muzzio, Rafaél Rodríguez, Soledad Oviedo, Rubén Gutiérrez Senón Sosa.

Dirección Cipriano Argüello Pitt

Escenogragía: Mateo Argüello Pitt

Este espectáculo como los anteriores, fue producido a partir de un proceso de escritura escénica con los actores. Luego el trabajo de montaje dramatúrgico se realizó con la asistencia de Gonzalo Marull, quien organizó los materiales.

Todo sucede en una fiesta, en un salón de baile, en un parador, los personajes acuden allí como parte de un ritual conocido, allí hay un deber ser, un deber actuar, se supone a una fiesta como un lugar de manifestación de la alegría, pero los personajes están trastornados.
Es el trastorno el que hace que la alegría se transforme en una mueca, la fiesta se presenta en principio como espacio de comunión, la fiesta como un olvido tangencial del mundo cotidiano, es el ingreso a otro aspecto del mundo. Lo festivo se vive como una manifestación de los impulsos una exteriorización de los sentidos. Tensión entre la compostura y la descompostura, aparición de lo siniestro, aquello familiar que puede ser una fiesta se vuelve extraño, afloran comportamientos imprevistos, se cae el velo, se descubre la mascara, el otro es un cómplice o un enemigo.
Es un espectáculo que profundiza las búsquedas del lenguaje teatral propuesto por el grupo. La historia se construye a partir de las acciones de los personajes y estos son los que configuran la situación.

Sol Negro (2000/2001)

Actores: Melina Passadore, Soledad Oviedo, Marcelo Arbach, Rafael Rodríguez, Senón Sosa, Gabriel Muzzio, Rubén Gutiérrez; Vestuarista. Patricia González; Escenógrafo: Mateo Argüello Pitt
Músico: Martín Gregorio
Dirección de actores y escena: Cipriano Argüello Pitt

Sol Negro se presenta como lógica de una conspiración. Conspiración con el teatro, con la historia y con los espectadores. Indaga sobre los estados de la pasión. “Te amo y todo es hermoso”, estas son las palabras de Artaud que resuenan esta vez en nuestro trabajo.
LA GORDA como consecuencia de su anterior producción “Cadáver Exquisito” indaga en la necesidad de profundizar y realizar una estética que le sea propia y, por esto, recurre a su propia historia y a la del teatro.
El Surrealismo sirve de excusa para abordar un texto fragmentado que se va tejiendo en las pasiones y las relaciones amor-sexo de los personajes. La pulsión como motor desenfrenado de un estado.
La puesta remite a un espacio vacío, reminiscencia de lo oriental, parodia y homenaje al mismo tiempo de un teatro que heredamos.

Cadáver Exquisito (1999/2000)

Grupo La Gorda: Soledad Oviedo, Rafaél Rodríguez, Melina Passadore, Rubén Gutiérrez, Senón Sosa, Gabriel Muzzio y Cipriano Argüello Pitt

"Cadáver Exquisito" fue una obra donde trabajamos sobre procedimientos dramatúrgicos y escénicos donde básicamente el fragmento de materiales diversos y dispersos con una fuerte base intertextual de obras que nos gustaban.
Los actores se presentan como material significante. El significado nace, al igual que en el Surrealismo, de las conexiones posibles y asociaciones que se dan en el desarrollo de las acciones de los actores.
En "Cadáver Exquisito" la muerte se presenta no desde el rito cristiano, sino desde la experiencia de la creación. Es el conflicto de la creación en el momento de su puesta en funcionamiento. Los actores hacen todo lo posible para prolongar este vacío, similar al que se presenta frente a una hoja en blanco.
La acción se presenta en un lugar donde "algo" ha acontecido. En este lugar devastado por la guerra se encuentran dos parejas. Una, se pregunta si se encuentran muertos; la otra sólo coincide en que puede ser un sueño y por lo tanto lo mejor es recordar tiempos pasados.